Den Berlin-fødte blomsterkunstner og designer Lilo Klinkenberg skaber store botaniske skulpturer og installationer, der udvisker grænserne mellem det naturlige og det surrealistiske. Med en baggrund inden for modedesign grundlagde hun Studio Lilo i 2018 og har siden samarbejdet med kendte brands, samtidig med at hun har udstillet personlige værker, der udforsker perception, håndværk og tradition. Her fortæller hun om sin proces, sine inspirationskilder og hvordan hun finder balance.
Hvad betyder "hjem" for dig, og hvordan spiller dit arbejde en rolle her, hvad enten det er gennem din indretningsstil, tilstedeværelsen af blomster eller den atmosfære, du skaber?
For mig er hjemmet det sted, hvor mine sanser endelig kan hvile, et rum, hvor jeg kan være helt mig selv og finde en dyb ro. Jeg har indset, at den måde, jeg arbejder på, og den måde, jeg indretter mine omgivelser på, hænger tæt sammen. I sidste ende hænger alt sammen: den måde, jeg designer på, den måde, jeg klæder mig på, og den måde, jeg indretter mit hjem på, stammer alle fra det samme kreative instinkt. Det handler altid om balance, form, farve og tekstur – den røde tråd, der går gennem alle dele af mit liv.
Du har også designet nogle af møblerne i dit hjem, såsom sofaen og den specialfremstillede hylde til din samling af vaser. Hvad fik dig til at begynde at skabe dine egne møbler, og hvilke ideer eller referencer har formet disse designs?
Jeg er ret perfektionistisk og har ofte svært ved at finde møbler, der føles helt rigtige. Det var sådan, jeg begyndte at designe møbler og genstande til mit eget hjem. Et eksempel er hylden i min stue, hvor jeg har samlet en række genstande, som jeg har købt på loppemarkeder og i genbrugsbutikker under mine rejser, hovedsageligt i Italien og Frankrig. Jeg ser disse vaser næsten som små skulpturer; jeg bruger dem sjældent til blomster, da jeg blot nyder deres former. Hver enkelt bærer på et minde, et øjeblik, som jeg føler mig forbundet med. Da jeg designede hylden, handlede det om at skabe et rum, hvor alle disse genstande kunne eksistere harmonisk sammen, en stille udstilling af historier og følelser, der bringer en subtil, blid varme til rummet.
Sofaen har en lignende historie. Jeg har selv designet den – en aluminiumsbase med blødt, generøst polstring. Jeg har altid elsket kontraster og modsætninger: hårdt og blødt, struktur og volumen, noget lidt uventet. Designprocessen tog temmelig lang tid; aluminiumsfoden stod faktisk i mit atelier i næsten to år, før møblet endelig blev færdigt. Uanset om jeg designer møbler eller installationer, tiltrækkes jeg hele tiden af denne følelse af uventet balance, den subtile spænding mellem teksturer, former og farver. Det er den samme røde tråd, der går gennem alt mit arbejde og mit hjem.
Dit arbejde kan være både fysisk krævende og konceptuelt intens. Hvordan finder du balance uden for studiet? Har du et yndlingssted i dit hjem, hvor du kan slappe af?
Jeg betragter mit hjem som det sted, hvor jeg virkelig kan slappe af. Jeg tilbringer så meget tid i studiet, omgivet af mennesker, ideer og materialer, og arbejdet kan ofte være rodet og intens. Når jeg kommer hjem, falder alting på plads igen. Jeg sætter faktisk stor pris på de stille øjeblikke alene. Dette rum er stedet, hvor jeg genoplader, men også hvor nye tanker kommer naturligt, uden pres.
Det sted, jeg sidder nu, på sofaen, er mit yndlingssted i hele lejligheden. Før dette blev mit hjem, boede jeg her som fremlejer, og dette var mit værelse; min seng stod lige her. Så denne udsigt ud af vinduet har været med mig i omkring elleve år. Den rummer utallige minder og føles næsten meditativ. Jeg kender denne udsigt i alle årstider og i alle former for lys; den er grundlæggende, en stille konstant midt i alt det, der forandrer sig.
Hvordan vil du beskrive din personlige garderobe derhjemme? Tilgår du påklædning på samme måde, som du komponerer dine installationer – gennem tekstur, tone og form?
For mig spiller materialer og teksturer en central rolle i, hvordan jeg klæder mig. Påklædning føles meget personligt; det afspejler altid mit humør. Jeg er næsten en anden person, når jeg er træt eller nedtrykt, end når jeg er energisk og glad, og min påklædning skifter naturligt med det. Kvalitet er lige så vigtigt; jeg føler mig simpelthen bedre, når materialerne mod min hud er veludførte og omhyggeligt fremstillede. Jeg er tiltrukket af tekstur, hvordan stoffer bevæger sig, hvordan de fanger lyset, hvordan de føles.
Min stil udvikler sig også med årstiderne og mit arbejde, der er altid bevægelse. Men én konstant er mit behov for kontrast. Hvis jeg har noget skræddersyet på, kombinerer jeg det med noget blødt; hvis mit outfit føles afslappet, tilføjer jeg struktur. Det samspil er det, der gør påklædning interessant for mig, det definerer silhuetten, skaber form og tilføjer dybde. Ligesom i kunsten føles alt lidt fladt uden kontrast.
Berlin er din hjemmebase. Ser du byen som et anker for din kreativitet, eller kommer din inspiration fra et bredere, mere globalt perspektiv?
Jeg har altid hentet inspiration fra et bredt, globalt perspektiv og tror virkelig, at inspiration kan komme fra alt. Berlin har haft en enorm indflydelse på mig, især i begyndelsen, og nu, gennem mine rejser i forbindelse med mit arbejde, finder jeg inspiration overalt: i nye byer, udstillinger, skulpturer, landskaber, endda noget så simpelt som en cykelstativ. Intet er for småt til at udløse en idé.
Jeg voksede op i Kreuzberg, som føles som en by i byen. Hvert kvarter her har sin egen særlige verden og atmosfære. Loppemarkeder i Berlin er et af mine yndlingssteder at udforske; den spænding, man føler, når man gør et fund, forsvinder aldrig.
Din første soloudstilling, Is This Even Real, legede med perceptionen og grænsen mellem virkelighed og illusion. Hvordan begynder du normalt på et nyt værk – starter det med materialet, en følelse eller et koncept, du ønsker at udforske?
Jeg starter normalt med formen; det er altid mit udgangspunkt. Jeg ser måske en form et eller andet sted, en gren, kurven på et cykelstativ, noget helt almindeligt, og noget ved dens linje eller silhuet bliver hængende i min bevidsthed. Derfra begynder jeg at forestille mig, hvad der kunne vokse omkring det.
Når formen har taget form, følger konceptet. Jeg tænker over, hvad det fremkalder, hvilken følelse eller erindring det bærer, og så udforsker jeg materialer, farver og teksturer, der kan bringe den idé til live. Det er normalt først formen, så farven og teksturen.
Sæsonen spiller også en stor rolle. Jeg arbejder med det, der er tilgængeligt, især når jeg bruger naturlige materialer, så processen skifter konstant. Alt påvirker alt andet; formen informerer konceptet; sæsonen former materialerne, og materialerne styrer resultatet. Det hele hænger sammen, altid i dialog.
Alle kunstnere og designere finder på et tidspunkt et materiale, der føles helt unikt for dem – hvad vil du sige, at dit er? For mig er det materiale mos. Jeg opdagede det helt naturligt, og med tiden er det blevet noget, jeg vender tilbage til igen og igen. Jeg elsker, hvor alsidigt det er; man kan forme det på næsten alle måder, og det har altid en rolig, jordnær energi. Selv efter at have arbejdet med det i årevis føler jeg stadig, at der er mere at udforske. Mos har en beroligende tilstedeværelse, og jeg finder det fascinerende, hvordan det kan skabe illusioner. Jeg kan godt lide at lade disse spørgsmål stå åbne og lade nysgerrigheden blive en del af oplevelsen.
At arbejde med noget så flygtigt som planter og blomster føles ikke som en begrænsning; det er en påmindelse om at omfavne forgængeligheden og se skønheden i alle faser, selv i forfaldet. Mos tørrer, genoplives og forvandles. Det lever, forandrer sig og er uendeligt udtryksfuldt.
Blomster er så flygtige i naturen. Hvordan tackler du udfordringen ved at arbejde med noget så kortvarigt, mens du skaber værker, der føles tidløse i erindringen?
Jeg ser ikke rigtig blomsters flygtige natur som en udfordring; det er faktisk det, der gør dem så smukke. Deres forgængelighed inviterer dig til at være til stede, til at værdsætte dem dybere, mens de varer, og til at anerkende den stille poesi i deres forvandling. Selv en visnet blomst kan rumme en slags skønhed; den fortæller bare en anden historie.
Der er selvfølgelig praktiske udfordringer. Jeg kan ikke bruge alle blomster til alle installationer, jeg er nødt til at forstå, hvordan hver enkelt opfører sig, hvordan den reagerer på lys, temperatur eller fugtighed. Hvert nyt materiale kræver eksperimentering og omhu. Forskellige miljøer ændrer alt; for eksempel er luften i butikker med aircondition så tør, at mos kan miste sin blødhed inden for en time. Men det er også det vidunderlige ved mos, man kan genoplive det med lidt vand, og så føles det levende igen.
På en måde lærer arbejdet med så flygtige materialer mig at give slip på kontrollen. Det handler om at omfavne forandring, finde balance i den og skabe noget, der føles tidløst, ikke fordi det varer evigt, men fordi det bliver hængende i hukommelsen.
Du bevæger dig ofte mellem forskellige sammenhænge – modeshows, udstillinger og store begivenheder. Tilgår du arbejdet forskelligt, når det er for et internationalt brand i forhold til en gallerisammenhæng?
Ja, jeg tror, at den største forskel mellem at arbejde med større internationale brands og at skabe til mindre gallerier ligger i den ramme, man får. Med et brand, især modehuse, er der som regel allerede et koncept eller en kollektion på plads. Det medfører naturligvis visse begrænsninger: en defineret farvepalet, en eksisterende kampagne eller en bestemt stemning, som de ønsker at udvide visuelt. Der er en klar retning at følge, hvilket på sin egen måde kan være både begrænsende og inspirerende.
Når jeg arbejder selvstændigt, skal jeg selv skabe den retning. Der er ingen foruddefinerede temaer eller retningslinjer, det er meget mere åbent og intuitivt. Den frihed giver mig mulighed for at udforske ideer på et dybere niveau, men det kræver også, at jeg bygger konceptet helt fra bunden. Så de to processer er ret forskellige: Kundearbejde handler om at oversætte andres vision gennem min linse, mens mine egne projekter handler om at opdage, hvad den vision er i første omgang.
Du har for nylig skabt en installation for Tiger of Sweden i Esquire Townhouse. Hvad var din kreative vision for dette samarbejde, og hvordan afspejlede dit valg af materialer brandets moderne tilgang til design og håndværk?
Den installation, jeg skabte for Tiger of Sweden i Esquire Townhouse, var i høj grad inspireret af deres efterår/vinter-kampagne, som blev optaget i en skov. Jeg var fascineret af kampagnens naturlige omgivelser og ønskede at oversætte det miljø til noget mere abstrakt og kunstnerisk, samtidig med at det stadig afspejlede Tiger of Swedens minimalistiske æstetik.
Den største udfordring var at finde en balance mellem skovens organiske, naturlige former og brandets skarpe, skræddersyede linjer. Jeg ønskede, at installationen skulle fremkalde en fornemmelse af natur uden at overvælde rummet eller distrahere fra selve tøjet. Det var vigtigt, at miljøet komplementerede tøjet i stedet for at konkurrere med det.
I sidste ende skabte kontrasten mellem tøjets strukturerede silhuetter og installationens mere flydende, skulpturelle elementer en dialog mellem håndværk og natur, noget der virkelig legemliggør Tiger of Swedens moderne, men tidløse tilgang til design.
Naturen er kernen i dit arbejde. Er der bestemte miljøer – kystnære, skovklædte eller urbane – der har formet din sans for form og farve?
Naturen er kernen i alt, hvad jeg gør. En af mine største inspirationskilder er Helgoland, en lille ø i Nordsøen, hvor min bedstemor kommer fra. Min familie tilbragte hver sommer der, da jeg var barn, og jeg vender stadig tilbage, når jeg kan. Det er der, jeg virkelig slapper af, et sted, der føles som et andet hjem.
Øen er lille og helt bilfri; man kan gå rundt om den på en time, omgivet af røde klipper, grønne bakker og det dybe, mørkeblå hav. Dens farver, former og stilhed har haft stor indflydelse på mig. Selvom jeg kender hver en centimeter af den, afslører hvert besøg noget nyt. Det er så forskelligt fra Berlin, stilheden, størrelsen, åbenheden, og den kontrast gør det specielt for mig.
Jeg elsker også Lanzarote, som har en lignende energi. Det sorte vulkanske landskab med det levende blå hav i baggrunden føles rå, minimalistisk og utæmmet. Vinden, tomheden, den rå skønhed i det hele er dybt forfriskende, det er den slags sted, hvor jeg kan nulstille mig selv. Selv lyset er anderledes. På Helgoland om sommeren reflekteres solen så kraftigt fra havet, at luften selv føles varm og glødende. Uden træer at gemme sig under er man fuldstændig udsat for landskabet. Den åbenhed, kystområdets råhed, har haft stor indflydelse på min sans for form, farve og balance.
Er der udendørs ritualer eller øjeblikke, der giver dig mulighed for at genfinde din kreative strøm i hverdagen?
Jeg vil ikke sige, at jeg har udendørs ritualer i traditionel forstand; jeg er meget en bymenneske. Jeg har ikke brug for at flygte ud i skoven for at finde ro. Min forankring sker i de mere stille hjørner af byen, derhjemme, med min familie eller blot omgivet af den blide rytme i hverdagen.
Da jeg voksede op i Kreuzberg, havde vi en fælles have, hvilket er sjældent i Berlin. Så naturen var altid til stede, men integreret i bylivet i stedet for adskilt fra det. Jeg tror, det har formet mig. Jeg føler mig mest tilpas, når der er lidt støj, lidt liv omkring mig, fjerne fodtrin, forbipasserende samtaler, gadenes blide puls.
Hvordan former de steder, du besøger, herunder lokale skatte, din kreative proces?
Når jeg er i Berlin, er det museerne og markedet, der inspirerer mig mest. Jeg går sjældent i blomsterbutikker; i stedet køber jeg blomster hos en sælger på det ugentlige marked, der kun sælger sæsonens og lokalt dyrkede varer. Det er utroligt jordnært at se årstiderne skifte uge for uge, afspejlet i de skiftende farver og former.
Hos den sæsonbestemte sælger kan vinteren føles som en udfordring, fordi der er så lidt at vælge imellem. Men jeg elsker den begrænsning; det bliver en øvelse i opfindsomhed og opmærksomhed. Man lærer at skabe skønhed ud af næsten ingenting, tørrede grene, stedsegrønne stiklinger, subtile nuancer og rolige former. Det handler om at lægge mærke til det, der allerede er der, og finde gnisten i det.
En stor tak til Lilo Klinkenberg for at deltage i serien Into the Fold. Du kan følge hendes kreative rejse på Instagram @studiolilo_
